jueves, 24 de diciembre de 2015

Daryl Hall & John Oates - Maneater

Yo creo que no hay nada mejor que despedir el año 2015 con un buen single y si es de la década de los ochenta pues mejor ya que soy hijo de la misma jeje (guiño). Sin que nadie se me asuste, esta canción fue titulada en España como "Devoradora de Hombres" (Maneater), y pertenece al dúo norteamericano originario de Filadelfia Daryl Hall & John Oates.  Sin más atraso empiezo con mi último post del año presente, espero encarecidamente que os guste y entretenga ...


Daryl Hall y John Oates se conocerían en 1967 durante una batalla de bandas en la Universidad de Temple, Filadelfia (no se porque me entra hambre al escuchar este nombre). Hall formaba entonces parte de la banda Gulliver y Oates de los Masters. Las disputas entre los fans de ambas bandas derivarían en serios incidentes que obligarían a sus integrantes a escapar. Es en este momento en que casualmente Hall y Oates se refugiarían en el mismo ascensor, lo que los llevó no solo a una larga amistad sino además, al descubrir que tenían coincidencias en sus proyectos musicales, a formar una nueva banda en conjunto.

Su trabajo pronto llamó la atención de los ejecutivos de Atlantic Records quienes los contratan, grabando para este sello su primer disco titulado "Whole Oats" en 1972, el cual no tuvo repercusión. En 1973 aparece "Abandoned Luncheonette", con los mismos resultados. Este disco contiene el tema "She's Gone" tema compuesto por Hall, inspirado por la ruptura con su esposa, el tema sería más adelante uno de los clásicos de la banda y su éxito sería reeditado por el grupo Tavares.

En 1974 se edita el álbum "War Babies", el cual repetiría la escasa repercusión de los discos anteriores de la banda, cuestión que llevaría a Atlantic Records a despedirlos de la compañía, lo cual pese a todo no los desalentó (esa es la actitud).


En 1975, la compañía RCA los contrató editando ese año el álbum "Daryl Hall and John Oates". Este disco constituye el primer éxito masivo del dúo. En este álbum aparece la balada "Sara Smile", escrito por Hall para su pareja y colaboradora Sara Allen, con el cual por primera vez llegan a los US Hot Ten (4º lugar).

Sin embargo es el álbum "Bigger Than Both Us", publicado en 1976, el que los lanza a la fama mundial y definitiva, llegando este álbum a la categoría de multiplatino y comunicando su éxito a los demás discos de la banda llevándolos a la categoría de oro (el tema "She´s Gone" llegaría a consecuencia de este fenómeno al 7º lugar del ránking). "Bigger Than Both Us" contiene el tema "Rich Girl", que constituye el primer n.º 1 en la historia de la banda. El segundo sencillo de este disco "Do What You Want, Be What You Are", no solo es una expresión del dominio del R&B en el trabajo del dúo, sino además una sólida demostración de la calidad vocal de Hall.

Sin embargo, el éxito de "Bigger" no sería permanente, los restantes álbumes de la banda en los setenta no lograrían repercusión y constituirían un fracaso de sus aspiraciones. De esta época destaca el álbum "Livetimes", el primer registro en vivo de la banda donde queda en evidencia la calidad vocal e instrumental de la misma y la importancia que Hall y Oates daban a sus presentaciones en vivo.


Continuamos en su historia ya en la década de los 80's donde Hall y Oates deciden dar un giro en su trabajo y por primera vez asumen la producción de sus álbumes. Es de esta forma como sale a la venta "Voices", uno de los trabajos más exitosos del grupo que llega nuevamente a la categoría multiplatino y que aporta el éxito "Kiss on My List" el segundo número uno de la banda. Otros dos temas del disco "How Does It Feel to be Back" y "You've Lost That Lovin' Feelin" llegarían a los top 100 y además se repetiría el mismo efecto que con "Bigger": los demás discos de la banda alcanzaron también la categoría de oro.

En "Voices" aparece también el tema "Everytime you go away", que se convertiría en n.º 1 con la voz del cantante inglés Paul Young en 1985.

"Voices" sería además el primer disco de la banda reconocido masivamente a nivel mundial y sería el comienzo de la época dorada de la banda donde literalmente todo lo que grababa se convertía en éxito masivo.

En esta misma época Hall lanza su primer álbum solista "Sacred Songs" en colaboración con Robert Fripp, el cual tuvo escaso éxito.

Los "Photocall" de antes si que representaban la sencillez, MTV y se acabó.
En 1981 Hall & Oates lanzan el álbum "Private Eyes" otro multiplatino que superaría el éxito de todos sus álbumes anteriores. Este disco contiene los n.º 1 "Private Eyes" y " I can't go for that" y de los top 10 "Did it in a minute". El éxito de este álbum lleva a Hall & Oates a la nominación al Grammy y a obtener por primera vez en 1982 el American Music Award a la banda más popular.



Cassette, Vinilo y Compact Disc de H2O que contiene el tema "Maneater".
La seguidilla de éxitos continuaría en 1982 con el álbum "H2O", también multiplatino y que contiene el tema "Maneater" (abajo os pongo el videoclip), el cual es considerado el tema más representativo y exitoso de la banda (sin duda alguna), manteniéndose por cuatro semanas en el n.º 1 del Hot 100 de la revista Billboard. "H2O", contiene además los Hot 10 "One on One" y "Family Man". Nuevamente Hall & Oates ganan en 1983 el American Music Award por segundo año consecutivo.


A estas alturas el sello de los álbumes de Hall & Oates estaba marcado, la fortaleza vocal de Hall unido a los coros de Oates y al trabajo de los músicos de la banda, todos escogidos dentro de los más selecto del mercado de músicos de sesión y todos con voces más que aceptables, hacen del sonido de Hall & Oates comercial pero sumamente agradable al oído. Hall muestra en particular una extraordinaria destreza vocal a la hora de pasar con extrema facilidad de un tono a otro.

En 1982 Hall & Oates se embarcarían en una gira mundial "Rock And Soul Live", cuya presentación en Montreal sería llevada al video y donde se exhibe plenamente la calidad de la banda.


También como curiosidad os recordaré que Hall & Oates participaron en el álbum "Usa for Africa" al cual dediqué este post.

A partir de 1985 Hall y Oates buscan nuevos caminos. Oates participa en la banda sonora de una película, coescribe junto al grupo australiano Ice House el hit "Electric Blue" y produce el primer álbum del grupo canadiense "The Parachute Club" junto con dedicarse a los negocios. Hall en cambio emprende una nueva aventura musical junto a Dave Stewart del dúo Eurythmics y el bajista de la banda Tom "T-Bone" Wolk, editando en 1986 el álbum "Three Hearts in The Happy Ending Machine" que contiene el Hot 10 "Dreamtime" y los Hot 100 "Foolish Pride" y "Someone Like You". Pese a ello el álbum tendría una fría recepción del público y no resultaría convincente para RCA pero si demostraría un giro en la carrera de Hall que ya no persigue el éxito como norte a la hora de grabar. El álbum, que recibiría buenas críticas, de todas formar no satisfaría las expectativas de Hall.

Más en la actualidad se anuncia el ingreso de Daryl Hall & John Oates, al Salón de la Fama del Rock and Roll junto a grandes como Nirvana, Peter Gabriel, Kiss, Cat Stevens y Linda Ronstadt.


Como siempre, y veo buena costumbre, os dejo de debajo de estas líneas la traducción de "Maneater" y os deseo una muy feliz entrada a 2016 y que paséis unas buenísimas fiestas junto a las personas que más queréis y que este año se han merecido estar a vuestro lado, se que es lo típico que se dice siempre pero os lo deseo de verdad :)



Espero que la entrada sea de vuestro agrado y nos vemos muy muy pronto, un saludo ENORME como siempre y cuidaros que nos podamos ver todos aquí el año que viene, ¡¡SALUDOS!!


miércoles, 2 de diciembre de 2015

Pink Floyd - Another Brick in the Wall (Parte II)

Bueno, bueno, bueno, ... a transcurrido ya más de un mes desde mi última entrada, el tiempo pasa volando, entre unas cosas y otras. Eso no quiere decir que me halla olvidado de todos vosotros (siempre fieles) y de Toda La Música de Nuestras Vidas, pero entre el "curro" y demás cosas esta uno a tope y, uno lo va dejando para cuando tenga un buen ratito y así poder hacer un post a la altura de lo que todos vosotros esperáis y os merecéis (al menos lo intento).

Para esta ocasión me he permitido traeros del recuerdo un "temazo" de una banda inglesa legendaria llamada Pink Floyd, cuyo nombre es "Another Brick in the Wall" (Otro Ladrillo en el Muro), que aunque sea de 1979, trae un mensaje muy acorde a los tiempos que ahora vivimos y para las cercanas elecciones generales que se celebrarán en diciembre ... que cada uno saque sus propias conclusiones.

Sin más dilación ni presentación pasaremos a la acción (Toma freestyle xD).


Pink Floyd es considerada una banda icono-cultural del rock del siglo XX y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 97.5 de ellos solamente en los Estados Unidos, menudas cifras.

Inicialmente el grupo estaba formado por el baterista Nick Mason, el tecladista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Bob Klose fue guitarrista inicialmente por un corto tiempo, pero no llegó a aparecer en ningún disco. El extraño comportamiento de Barrett, causado por el excesivo consumo de drogas (ya estamos), especialmente LSD, hizo que su amigo David Gilmour se integrara al grupo en diciembre de 1967 y que quedase definida la formación clásica del grupo tras la marcha de Barrett en abril de 1968.


Pink Floyd comenzó con un gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985.

El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979, al que pertenece "Another Brick in the Wall"). 



Durante las sesiones de grabación de The Wall el bajista Roger Waters expulsó de la banda al tecladista Rick Wright debido a que estaba disconforme con sus aportes al álbum. En 1983 el grupo lanzó el disco The Final Cut el cual tuvo un modesto éxito comparado con sus obras anteriores y la banda ni siquiera salió de gira. En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd señalando que la banda estaba agotada creativamente. Los demás miembros, Gilmour y Mason, se negaron a aceptar esta decisión y continuaron con el grupo por lo cual Waters los demandó reclamando parte de los derechos de la marca Pink Floyd. Waters perdió en tribunales pero llegó a un acuerdo con Gilmour y Mason obteniendo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb") y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre de Pink Floyd sin problemas.

Las cuatro patas del cerdo representaban a cada uno de los cuatro miembros de la banda.
Tras superar estos problemas legales, Gilmour y Mason volvieron a llamar a Wright para grabar el disco A Momentary Lapse of Reason (1987) logrando gran éxito mundial, sin embargo, Wright participó solo como tecladista asalariado y no como miembro oficial de la banda. Esto fue solucionado en el siguiente álbum The Division Bell (1994) en donde Wright se reintegra nuevamente como miembro oficial del grupo. Este es el disco de estudio de la banda en el que ya aparecen Gilmour, Mason y Wright como componentes de Pink Floyd. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005, en el concierto Live 8 en Londres donde tocaron las canciones "Speak to Me/Breathe", "Money", "Wish You Were Here" y "Comfortably Numb".

En noviembre de 2014 salió a la venta The Endless River, el último disco de estudio de la banda, que contiene en gran medida material grabado durante las sesiones de grabación de The Division Bell entre 1993 y 1994 sin contar con ningún aporte de Roger Waters.


Una vez conocida la historia del grupo nos centraremos en la canción "Another Brick in the Wall", este fue publicado en 1979 y está dividido en tres partes, "Part I", "Part II" y "Part III", hoy a la que hacemos referencia es a la parte dos (quinta canción del disco) porque fue el single presentación del disco "The Wall".


En cuanto a su composición tiene un compás de cuatro tiempos (4/4) y se encuentra en re menor. La canción se une con la canción anterior "The Happiest Days of Our Lives", a través de un grito de Roger Waters (sí, el de la idea del cerdo volador), similar al de la canción "Careful with that Axe, Eugene" de 1968. Curiosamente las dos canciones son reproducidas usualmente una después de la otra en la radio, particularmente en las emisoras de rock, debido a la forma en la que están fusionadas. Cuenta con una fuerte batería y distintivas guitarras en el fondo con un discreto, pero duro solo de guitarra. La canción también tiene un coro de niños en el segundo verso. Cuando la canción termina se puede oír el sonido de un patio de escuela, y maestros regañando a niños. La canción termina disolviéndose con el tono de un teléfono sonando.

(este enlace contiene el videoclip)

Para la canción, la banda utilizó un coro escolar, compuesto por 23 preadolescentes (bravos jeje) con una edad de 12 a 14 años, que fue formado por un profesor de música, Alun Renshaw, que trabajaba en la escuela Islington Green, la cual se encontraba cerca del estudio de grabación, Britannia Row (donde se grabó la canción). El productor Bob Ezrin quería trabajar con un coro de niños desde que fue utilizado en el álbum School's Out de Alice Cooper (1972). Para dar la impresión de que el coro era mucho más grande que el grabado en el estudio, se duplicó la grabación del coro para así mezclar ambas grabaciones, de tal modo que el coro se oyera con un efecto doble (truqui del almendruqui). Aunque la escuela recibió un pago de 1000 libras, no existía un contrato. 

Posteriormente, una nueva ley sobre los derechos de autor aprobada en 1996 en el Reino Unido, ha permitido que la escuela pueda iniciar un proceso judicial para reclamar su deuda: los profesionales de la industria musical creen que los estudiantes podrían recibir una tasa de 500 libras cada uno que no vienen nada mal en estos tiempos jeje.


Durante la primera grabación, la canción solamente tenía una duración de 1:30 y únicamente consistía en un verso y un coro. Bob Ezrin quería que la canción tuviera una duración mayor, pero el grupo se negó. Cuando la banda se retiró del estudio, Ezrin añadió la parte del coro escolar, algunas partes de la batería y copió el primer coro a la parte final. El solo de guitarra y algunos otros elementos se añadieron en la mezcla final.

Como ya sabéis "Another Brick in the Wall" es una canción de protesta que denuncia las duras reglas que existen en la escuela en general y en los internados en particular con la frase "We don't need no education" ("No necesitamos ninguna educación"). Refleja la visión de Roger Waters sobre la educación formal: el odiaba a sus profesores del colegio y pensaba que ellos estaban más interesados en mantener la disciplina en lugar de transmitir sus conocimientos a los estudiantes (suele pasar). Aquí la frase "another brick in the wall" ("otro ladrillo en la pared") se refiere a la imagen del profesor, que es visto como uno de las causas del aislamiento mental de Pink, el personaje de la historia que narra el álbum. "Es como una cadena de montaje entras por una puerta a los 3 años, te imponen una doctrina que a alguien le pareció la correcta y sales por otra puerta a los 16 listo para aportar tu granito de arena al progreso y así tus hijos podrán aportar su granito de arena con un poco más de comodidad."


Como dato curioso, en 1980, en Sudáfrica, la canción fue adoptada como himno de protesta entre los estudiantes negros que protestaban contra el apartheid que en ese entonces hacía estragos en las escuelas del país, por lo que fue prohibida oficialmente por el gobierno de Sudáfrica el 2 de mayo de ese mismo año, por motivo de incitar a los jóvenes a realizar disturbios. 

La verdad es que el sentido que se le puede aplicar puede ir por muchos ámbitos, cada cuál que le de el suyo, como os comentaba en la introducción.

Para ir terminando comentaros que este track es considerado por los críticos musicales como una de las mejores canciones de la banda y una de las mejores de la historia del rock: así, en el año 2004 la revista Rolling Stone incluyó a la canción en el puesto 375 en su lista de las 500 canciones más grandes de la historia y con razón.

CANCIÓN TRADUCIDA

Como es de costumbre os dejo por aquí arriba la traducción de este hit setentero para que podáis disfrutarlo en su máxima expresión y veáis lo curioso que es el vídeo, no tiene desperdicio.

Por último agradeceros encarecidamente vuestra "paciencia" y vuestra FIDELIDAD que sé que sois muchos los que os pasáis día a día para recordar canciones de otra época que por una cosa u otra nos traen un grato recuerdo, os prometo que antes o después seguirán habiendo posts nuevos :)

UN SALUDO ENORME y cuidaros que nos tenemos que seguir viendo por aquí, ¡¡hasta la próxima entrada!!


miércoles, 28 de octubre de 2015

Jarcha - Libertad Sin Ira // Andaluces de Jaén

Nada más empezar os quiero poner en situación con la definición e historia de la Jarcha, esta una composición lírica popular de la España musulmana, compuesta en dialecto hispanoárabe coloquial, o en la lengua romance que utilizaban los andalusíes. Fueron escritas por poetas cultos árabes y judíos que se inspiraban en cancioncillas románicas de tipo popular.

Pudieron recogerlas del folklore tradicional, adaptarlas a sus necesidades métricas, o componerlas a partir de moldes tradicionales. Su importancia radica en que son el documento más antiguo que se conoce de poesía en lengua romance.


Una vez leído esta definición nos hemos hecho idea del estilo musical del grupo y, además, estamos en condiciones de poder dar la bienvenida a nuestro (vuestro) blog al grupo que porta este mismo nombre y que aún sigue en activo, desde Huelva, Andalucía, España ... Jarcha con sus míticas canciones "Libertad Sin Ira" y "Andaluces de Jaén" (coloquialmente conocida como "Aceituneros de Jaén").


Jarcha es un grupo musical español de Huelva como antes he comentado, creado en el año 1972, por Maribel Martín (conocida en España como La Martirio), Lola Bon, Antonio A. Ligero, Ángel Corpa, Crisanto Martín, Gabi Travé y Rafael Castizo.

Su línea musical se cimenta sobre tres pilares fundamentalmente:

- La búsqueda, rescate y divulgación de canciones tradicionales principalmente de Andalucía.

- Creación de canciones propias, la mayoría de las veces de amplio contenido social (aquí englobaríamos a "Libertad Sin Ira").

- La musicalización de una serie de poemas de autores más o menos consagrados que fuesen un buen   cauce de expresión, entre otros cabe destacar autores como Miguel Hernández, Blas de Otero,   Rafael Alberti, Federico García Lorca, Eduardo A Heyer entre otros.

La música de Jarcha proviene de todas y cada una de las 8 provincias andaluzas.
Durante los años de la Transición, Jarcha con su música, reflejaba el sentir de los españoles en unos años en que se pasaba del franquismo a la democracia. La canción "Libertad sin ira" (R. Baladés/P. Herrero) expresaba todo esto y se convirtió en un himno no oficial de aquel momento histórico. De hecho el grupo fue elegido como el mejor del país por votación popular en 1975 y 1976.

Libertad Sin Ira

Son muchos los componentes que a lo largo de estos años han contribuido al buen trabajo del grupo entre ellos nombres como Juan J. Oña, Pepe Bulerias, Ines Romero, Toñi García, Rosa Mª Salas, Rosa Soler, Beachu G. Villate, Pepe Roca y Martirio entre otros.

En la actualidad la formación de Jarcha la componen: Mª Isabel Martín, Paloma Olier, Jesús Bola, Á. Marchena, Tino Blanco y Rafael Castizo.



Magníficas imágenes de la recogida de la aceituna en Andalucía.

Andaluces de Jaén

Desde su constitución como grupo, Jarcha ha publicado los muchos trabajos monográficos (20 aproximadamente): 

Nuestra Andalucía (1974), Andalucía Vive (1975), Cadenas(1976), Libertad sin Ira (1976, portada abajo), En el Nombre de España Paz (1977), Por las Pisadas (1978), Andalucía en Pie (1980), Imagen de Andalucía (1982), Folklore de Andalucía (1983), A la Memoria de Federico García Lorca (1984), Sentir el Sur (1992), Tierra que Rozan dos Mares (1995), Jarcha en Vivo y con Alma.(2008) y El Rayo que no cesa (2010).


Además de estos trabajos propios, Jarcha ha colaborado tanto en grabaciones discográficas como en espectáculos con otros artistas, entre los que se encuentran Salvador Távora y el grupo de teatro La Cuadra de Sevilla, Diego Carrasco, Lebrijano, Pepe de Lucía, Manuel Pareja Obregón, Rocío Jurado, Camarón y Valderrama, entre otros. Uno de los aspectos más importantes para el grupo ha sido siempre el contacto con el público a través de sus conciertos, de los cuales lleva realizados más de 2.000, con más de 2.500.000 espectadores que no está nada mal.

jarcha-8
Jarcha de puente (chiste malo gratuito)
Jarcha ha realizado giras por diversos países como Francia, Inglaterra, Alemania, Holanda, Italia, Bélgica y Portugal. Ha recogido más de noventa muestras de folclore andaluz, especialmente en la provincia de Huelva, lo que es normal, es su tierra de origen como ya sabéis.

El grupo Jarcha en la actualidad.
Y ¡hasta aquí todo! jeje, espero que este post halla traído nostalgia y recuerdos de todo tipo a vuestras vidas, y que también lo compartáis con los mas mayores de vuestra casa, que seguro que les será de agradable recuerdo, sin duda les traerá vivencias de otros tiempos muy distintos a los que vivimos ahora. Os mando un SALUDO ENORME como siempre y además un fuerte abrazo, nos vemos cuanto antes ...

Poeta Federico García Lorca, un orgullo de mi tierra, Granada (España).

miércoles, 14 de octubre de 2015

Scorpions - Wind of Change

¿Cómo estáis? ¿Cómo va la vida? Espero que todo os siga yendo bien y si cabe mucho mejor. Llevo sin publicar entrada desde el 9 de septiembre, más de un mes, pero no quiere decir que me halla ido (que va jeje) porque aquí seguiré trayendo la mejor música que un día fue "hit" y que tantos buenos recuerdos nos trae. Lo que sí me gustaría comentaros es que ya no publicaré con la misma periocidad que anteriormente (normalmente cada miércoles) dado a cambios personales en mi ritmo de vida (no os preocupéis porque no es nada malo).

Una vez pasado este tostón aclaratorio xD continuamos con lo que más nos gusta, los ritmos del pasado... (que épico jaja). Hoy nos tocara recordar, y reconozco que me viene al pelo, "Wind Of Change" (Viento de Cambio) de la mítica banda Scorpions.


Ésta es una banda alemana englobada en los géneros hard rock y heavy metal, fue fundada en Hannover en 1965 (hace 50 años). A lo largo de su carrera, han publicado decenas de álbumes de estudios, sencillos, álbumes en directo, recopilaciones y DVD en vivo, casi nada. Además han recibido varios premios y condecoraciones, que los convierte en la banda de rock más exitosa de Alemania.

En sus inicios se denominaban Nameless (los sin nombre), luego cambiaron a The Scorpions (mola más), y finalmente a fines de 1969 decidieron denominarse simplemente Scorpions. Su primera producción discográfica fue Lonesome Crow de 1972, con Klaus Meine en la voz, Rudolf Schenker y Michael Schenker en las guitarras, Lothar Heimberg en el bajo y Wolfgang Dziony en la batería, nadie dudará que efectivamente son alemanes.

Sin embargo y durante su gira promocional, Michael anunció su retirada de la banda para unirse a los británicos UFO, que provocó una breve ruptura en 1973. A mediados del mismo año, Rudolf y Klaus reformaron la banda con algunos integrantes de Dawn Road, entre ellos Uli Jon Roth y Francis Buchholz, con los cuales publicaron los álbumes Fly to the Rainbow, In Trance, Virgin Killer y Taken by Force, con los que obtuvieron gran reconocimiento en Europa, y el imperio del sol naciente, Japón.


En 1978 lanzaron su primer disco en vivo, Tokyo Tapes, que fue el último con Roth ya que renunció al grupo para iniciar su carrera como solista (¿Buena idea?). Al año siguiente ingresó Matthias Jabs, con quien iniciaron el camino hacia el mercado estadounidense con Lovedrive, que contó además con la participación de Michael Schenker en tres de sus canciones. Durante los ochenta y con Animal Magnetism, Blackout, Love at First Sting y Savage Amusement obtuvieron un gran éxito comercial en gran parte del mundo, ubicándose en los primeros puestos de las listas musicales y logrando varios discos de oro y de platino.

Con la llegada de los años noventa publicaron Crazy World (1990), que contiene nuestro "temazo" de hoy "Wind of Change", se convirtiría en un ícono de las revoluciones políticas-sociales que vivía el mundo por aquel entonces. 



Nuestro single "Viento de cambio" fue escrita en su totalidad por el vocalista Klaus Meine, lanzado al año siguiente como el tercer sencillo del disco, obtuvo una excelente recepción dentro de las listas musicales, siendo número uno en veintiún países del mundo. Motivado por el éxito comercial y su significado para los países de Europa Oriental, la banda grabó una versión en ruso llamada "Ветер Перемен" (impronunciable para mi aunque es la primera vez que escucho hablar ruso sin que parezca que están de mala leche jeje) y otra en español denominada "Vientos de cambio". Aquí debajo os dejo las diferentes versiones.

VERSIÓN ORIGINAL

VERSIÓN EN ESPAÑOL

VERSIÓN RUSA

Es la power ballad más exitosa de la banda, tras superar el éxito conseguido con "Still Loving You" lanzado a mediados de la década anterior. Considerada como el himno de la perestroika y el glásnost por su letra sobre la paz y la reunificación del mundo tras el fin de la Guerra Fría, llegó a ser uno de los sencillos más exitosos de todos los tiempos.

Portada japonesa del single "Wind od Change"
En Estados Unidos esta canción se mantuvo por veinticinco semanas en la lista Billboard Hot 100 y alcanzó la cuarta posición el 31 de agosto de 1991, de igual manera obtuvo el segundo puesto en los Mainstream Rock Tracks. Esto le valió al sencillo recibir disco de oro, al superar las quinientas mil copias vendidas, certificación otorgada en septiembre del mismo año por la RIAA. En el Reino Unido fue lanzado en junio de 1991, donde sólo alcanzó la posición cincuenta y ocho. Sin embargo, tras su reelanzamiento en septiembre del mismo año, se mantuvo por nueve semanas consecutivas en los UK Singles Chart y logró el puesto número dos la semana del 12 de octubre, sólo once días después de ser certificado con disco de plata por la British Phonographic Industry.


En Alemania se mantuvo durante cincuenta y cinco semanas en la lista especializada, once de ellas en el primer lugar. Cabe señalar que por más de quince años, fue el sencillo con más semanas en el país germano. 

Actualmente posee el puesto #97 de la lista de los sencillos favoritos de todos los tiempos, sin embargo por la cantidad de semanas mencionadas debería poseer el tercer lugar. De la misma manera, la versión en ruso, "Ветер Перемен", entró en 1992 en los German Singles Chart por siete semanas consecutivas y alcanzó su máxima posición en el trigésimo octavo lugar. En cuanto a otros países, obtuvo el primer puesto en Austria, Bélgica, Francia, Suecia, Noruega, Suiza, Chile, Israel, Países Bajos, Polonia y Dinamarca (Spain is different). En total se estima que "Wind of Change" entró en las listas especializadas de 78 países y hasta el año 2009 había vendido más de 14 millones de copias.


En la actualidad Scorpions es reconocida como la banda de rock más importante y exitosa de Alemania y de Europa Continental, cuyas ventas se sitúan entre los 100 y los 150 millones de álbumes en el mundo, de los cuales 10,5 millones han sido vendidos solo en los Estados Unidos. Aun así, en el 2011 la prensa especializada alemana estimó que las ventas del grupo alcanzaban los 160 millones de discos alrededor del mundo. Por otro lado y durante la presentación oficial en los ECHO German Awards de 2009, se mencionó que han dado más de 5000 conciertos en vivo en más de ochenta países. Además y a lo largo de sus cincuenta años, sus álbumes han sido certificados con más de treinta y cinco discos de platino y con más de cien discos de oro, menudos fieras.

Y ya para ir terminando comentaros sobre una curiosidad del grupo, a lo largo de su extensa carrera, varios mercados mundiales han censurado decenas de las portadas de sus discos, considerándolas como inmorales, menudos perlas. La primera de ellas fue la de In Trance de 1975, donde aparecía una mujer dejando al descubierto su seno. La polémica la armó el mercado estadounidense quienes la consideraron indecente, y que conllevó a que en las posteriores ediciones el seno tuviera que ser cubierto por sombras. 

PORTADA ORIGINAL

PORTADA DESPUÉS DE LA CENSURA

También la portada de Taken by Force de 1977 tuvo problemas, ya que aparecían dos niños jugando con armas en un cementerio militar, esto fue considerado un insulto por los franceses (lugar en dónde se tomó la fotografía) que llevó a cambiar la portada por una que aparecían los integrantes del grupo en un fondo negro.

PORTADA ORIGINAL

PORTADA DESPUÉS DE LA CENSURA

Otras de sus carátulas censuradas son la de Lovedrive, Animal Magnetism, Love at First Sting, The Best of Scorpions y Pure Instinct, entre otras.

Aún así la más polémica es la del álbum Virgin Killer de 1976, que fue censurada por las distribuidoras de varios países del mundo, debido a que aparecía una niña desnuda (hoy día impensable). Tras su publicación recibió varias críticas por su contenido indecente e incluso llegó a ser considerada como pornografía infantil. Finalmente RCA Records en las posteriores ediciones, empleó una fotografía de la banda como reemplazo.

PORTADA ORIGINAL

PORTADA DESPUÉS DE LA CENSURA

Después del apartado de curiosidades con estas portadas tan "heavys" solo me queda despedirme de todos vosotros y daros las gracias por estar de nuevo por aquí leyéndome y recordando viejos tiempos en los que la música era música, ya me entendéis.

Espero que nos veamos lo más pronto posible, seguiré publicando os lo prometo.

¡¡UN ABRAZO ENORME!!

Scorpions en la actualidad.

miércoles, 9 de septiembre de 2015

Pistones - El Pistolero

¿Que tal lleváis septiembre? Bien ¿no? seguro que sí y el que lo lleve regular que se pase por aquí un ratito a escuchar buena música de la que quita las penas y trae buenos recuerdos del ayer.

Este 9 del 9 miércoles nos tocara recordar a una banda española de los 80's de origen madrileño y estilo pop-rock. Repasaremos su hit de 1983 "El Pistolero". Como ya sabréis hablo del grupo Pistones, nada que ver con la mecánica, ahora lo veréis ...


Contrariamente a lo que pueda parecer, el nombre del grupo viene de la fusión de los nombres de sus dos grupos de referencia, Sex Pistols y Ramones  y lo forman en 1980; Agustín Jiménez (voz), Ricardo Chirinos (guitarra y voz), José López (teclados y voz), Juan Luis Ambite (bajo) y Ramón López, sustituido más tarde por Fabián Jolivet (batería).

Hablar de Pistones es hablar, sobre todo, de su tema más conocido, "El Pistolero" como antes os comentaba, canción imprescindible en cualquier recopilatorio sobre la música de los 80 en España y que fue un rotundo éxito en 1983 desde el mismo momento en que comenzó a sonar en las emisoras de radio.

Una sencilla creación que triunfó desde el principio gracias a su pegadizo "riff" de guitarra, junto con otros ingredientes como por ejemplo, la calidad sonora del disco, por encima de lo habitual en la época, que hicieron que Pistones tocaran el cielo con esta canción y consiguieran un rotundo éxito artístico y comercial.

Portada del álbum "Persecución".
Este temazo pertenece a su álbum "Persecución" siendo la novena canción. Este ha sido una referencia constante para los grupos actuales del pop español, fue grabado con el ingeniero británico Peter Mac Namee (traído por Fabián Jolivet desde Inglaterra) y con Ariel Roth como productor. Este fue el momento de mayor fama de Pistones (1983-84), obteniendo varios números uno en las listas de éxito y apareciendo en numerosos programas de televisión y radio.

En cuanto al track "El Pistolero" versa sobre el miedo ante la llegada de la muerte en forma de un pistolero, de la soledad ante el peligro por la cobardía del resto y de la determinación a cobrar cara su defunción, siempre consciente de que sus esperanzas son escasas. Un poco tétrico pero mola.


Para ir terminando os diré que tras la exitosa gira de aquel verano del 83, Fabián Jolivet decidió abandonar la formación y Ricardo Chirinos debió realizar el servicio militar obligatorio. El grupo estuvo casi tres años sin grabar hasta que en 1987 graban un nuevo disco, "Canciones de Lustre" con una nueva formación que incluye a Ariel Roth a la guitarra y a Julián Infante (Tequila y Los Rodriguez) a la batería, pero no lograron ningún éxito, ni de público ni de ventas.

El grupo ya no volvería a recuperar su popularidad y después de su siguiente publicación, un mini LP con cinco temas titulado "Cien Veces No" deciden disolverse.


Como curiosidad en mayo de 2014, el grupo se reunió de nuevo, después de 20 años, para efectuar dos actuaciones en una pequeña sala de conciertos de Madrid, lo que dio lugar a especulaciones sobre una posible vuelta de la banda, quién sabe ...

Pues me parece que por hoy ya he terminado, no sea que venga el pistolero y tenga que acabar con el xD (chiste fácil gratuito). Un saludo ENORME y ya sabéis, a cuidarse mucho, la semana que viene nos vemos por aquí.

Pistoleros hay en todos sitios.

miércoles, 2 de septiembre de 2015

Cutting Crew - (I Just) Died In Your Arms

¡Muy buenas! ¿Qué tal las vacaciones? ¿Cómo estáis? Sinceramente solo espero que todas las respuestas sean positivas. Ya se acabó este caluroso agosto, ahora nos toca volver a la normalidad de septiembre y con ello vuestra entrada musical de cada miércoles.

Si alguno pensaba que me había abandonado el blog aquí tiene la prueba de que no. En esta etapa y ya tras 100 entradas publicadas vengo con más ganas todavía de seguir recordando canciones que fueron hits en otra época. Sin más hoy nos toca empezar con un "temazo" de Cutting Crew titulado
"(I Just) Died In Your Arms" o lo que es lo mismo "Yo Solo Morí En Tus Brazos Esta Noche", después de este mes sabático... que suene la música.


Cutting Crew es una banda de rock formada en Inglaterra en el año 1985. Sus componentes de la época eran Nick Van Eede (vocalista, guitarra rítmica, teclados), Kevin MacMichael (guitarra) y Tony Moore (teclados).

Después de firmar con la discográfica Siren Records gracias a la fuerza de sus demos, Cutting Crew se convirtió en un grupo de cuatro personas en el año 1986 con la incorporación del bajista Colin Farley y el baterista Martin "Frosty" Beadle; entraron en el estudio de grabación de ese mismo año.

Mientras que el ritmo era sin duda normalmente rápido, el cuarteto estaba formado por veteranos; Eede (vocalista) había recorrido el mundo con su anterior banda con sede en Sussex, MacMichael fue bastante tiempo el guitarrista de otra banda, Fast Forward, Beadle era un miembro de Hull, y Farley y además había completado horas de trabajo de sesión de grabación para muchos artistas.


Cutting Crew lanzó su álbum debut titulado Broadcast, en 1986. El grupo recibió críticas mixtas de los críticos de música, pero no cuando se trataba de innegable single destacado del álbum, "(I Just) Died In Your Arms" que fue producida por Terry Brown y mezclada en los estudios Utopía en Londres por Tim Palmer. 


La canción se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, alcanzando el número uno en la lista de singles de Billboard y disfrutando de un éxito similar en el Reino Unido. Esto fue significativo, e hizo que la banda saliese de sus fronteras para realizar una gira por todo el mundo como teloneros de Starship (grupo al que le dedicamos un post y top #2 del blog) o Huey Lewis & the News.


Portada y contraportada del álbum Broadcast.
Cutting Crew lanzó un segundo álbum, The Scattering, en 1989. También un tercer esfuerzo de larga duración, Compus Mentus en 1992 que tampoco logró revivir la escasa popularidad del grupo por entonces, Cutting Crew dio por terminada su actividad al año siguiente. 

Más tarde el vocalista, Nick Van Eede, decidió revivir Cutting Crew la siguiente década y en la actualidad siguen dando algunos conciertos.


Como curiosidad, esta canción la podréis encontrar en los videojuegos Rock Band 3 y en Grand Theft Auto: Vice City.

Y ya para terminar esta primera entrada de septiembre, como siempre, os pongo por aquí debajo la letra traducida y solo me queda despedirme, os deseo buena vuelta al curro o a los estudios y que intentéis ser lo más felices posible, un abrazo de bienvenida por esta nueva etapa y ya sabéis UN SALUDO ENORME jeje ;)


Yo Solo Morí En Tus Brazos Esta Noche

Oh yo,yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debe haber sido algo que dijiste 
Solo morí en tus brazos esta noche 

Sigo buscando algo que no puedo obtener 
Los corazones rotos mienten alrededor de mí 
Y no veo una manera fácil de salir de esto 
Su diario se sienta en la mesita de noche 
Las cortinas están cerradas, los gatos en la cuna 
¿Quién hubiera pensado que un chico como yo podría llegar a esto? 

Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió ser algo que dijiste
Solo morí en tus brazos esta noche 
Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió haber sido algún tipo de beso 
Me he alejado, me he alejado 

¿Hay alguna causa justa para sentirse asi? 
En la superficie soy un nombre en una lista 
Trato de ser discreto, pero entonces lo arruino de nuevo 
He perdido y encontrado, es mi error final 
Ella es cariñosa por el poder, sin dar y tomarlo todo 
Porque yo he estado emocionado a la fantasía demasiadas veces 

Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió ser algo que dijiste
Solo morí en tus brazos esta noche 
Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió haber sido algún tipo de beso 
Me he alejado, me he alejado 

Era una larga noche caliente 
Ella lo hizo fácil, ella lo hizo sentir bien 
Pero ahora el momento se ha ido 
Seguí mis manos no mi cabeza, sabía que estaba mal 

Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió ser algo que dijiste
Solo morí en tus brazos esta noche 
Oh yo, yo solo morí en tus brazos esta noche 
Debió haber sido algún tipo de beso 
Me he alejado, me he alejado